Formative Art from relational symbols

Chan Jun-Suk(Art Critic, Doctoral of Arts)

The art works of Lee, Tae Ryang who utilizes various kinds of symbols or objet or even letters, consist of art pieces that display a high level of unconsciousness coupled with abstruseness. However, this can be interpreted as the artist’s intention to express coincidence and ambiguity in a visual manner that appears through interblending of various symbols, letters or varying properties, which can be seen as a phenomenal encounter that the artist is downright pursuing for. In addition, his art works implicate experiences of psychological fantasy at the same time establishing his art through the interaction between his own internal self and external self. Lee Tae Ryang’s major efforts are focused on building a communication channel from the phenomenal identification that exists in one’s inner and outer self through the combination of series of incomprehensible numbers or symbols and various atypical forms that are displayed in multiple angles, thereby experiencing the aesthetics as well as sensible psychological fantasy.
Furthermore, in the past, he has also prompted a multi-dimensional perceptive experiences among the spectators with his art performance that depicted continuous visual and spatial changes in structure, form and size from his art piece which was a conjoined formation of the environmental, architectural sculpture surroundings and his naked body parts. This was also one of his art performances that expressed the coincidence, ambiguity and abstruseness, and at the core of it all lies the strong tendency of Le Chiasme of phenomenal encounter.
In other words, his art reveals the coincidence and ambiguity in a form of inter-blending reaction. During this process, an exquisiteness exists which enables the viewers to have narcissist and sensational psychological fantasy experiences. This is why Lee Tae Ryang’s art performances are said to be based on fantasy, ambiguity and coincidence. The transformed formative art that is constructed into a composite figure by using the architecture surroundings as well as his body parts enabled the viewers to have various interpretations on his art works.
Furthermore, the recent art works displaying formative arts using symbols, letters and various objet also exhibit identical view from the previous arts or is an extension of expressions where only the materials and subjects have changed. To say more, by borrowing or transforming various materials and images including the modern architectures, oil tanks which is used as a symbol of the modern industrial society or even the powerful icons as in the cross mark or liquor/beverage bottles, a representation of the livelihood waste, what the artist try to pursue is the union of materialistic and spiritual virtues as well as the union of inner and outer matters. This also includes his own body parts. Therefore, the artist is inspiring the spectators to have multi-level visual and cognitive experiences by showing continuous transformations of the size, form or the structure of his art work that used not only various composite matters but also symbols or images that embrace the concept and the value.
What should be noted of his art work is how the spectators perceive Lee Tae Ryang’s art that manifests coincidence, ambiguity and abstruseness. Of course, there’s always the case of arbitrary interpretation of an art work, ignoring the interpretational rule but we cannot overlook the fact that there exists a universal and fitness of purpose structure of an art piece. As Arthur Danto said, to regard something as a form of art, advance understanding or knowledge of art, art theory, something that cannot be cognized with our own eyes should be a prerequisite. Thus, in order to understand the art work of Lee Tae Ryang, a deeper knowledge of art in advance is required rather than a simple visual level understanding. That is why most of the artists do not expect the spectators to fully grasp the meaning of symbols or objet that has been thrown onto the canvas. Rather than making all the people understand the meaning of his art work, the artist tries to reveal the incomprehensible aspect that is embedded in his work. His creative intention is to provide an opportunity to the spectators to think via his incomprehensible art works.
The series of Lee Tae Ryang’s works that was intended for the spectators to have an opportunity to think, being incorporated into an objective perspective or even into the social order have naturally secured the symbolism which was not his intention originally. This symbolism can be perceived as a relationship between the imagination of what the artist has intended through his art work and at the same time the meeting point of the world of truth that is cognized from the work. For example, one of his works, intrigues various kinds of imagination by the spectators as was intended by the artist. However, not only the intended imagination, it contains symbolism as well. This imagination and symbolism cognized by the spectators are strictly the spectators’ rights and obligation. When looking at the cross with two small holes, or the cow’s nose ring with a barcode attached, or the remnant of the ripped barcode inside the cow’s nose ring that appears on the screen, some spectators will imagine the barcodes being inserted into the animals which will have all kinds of information and feel the powerful influence of the modern civilization, or other spectators will imagine the danger of the mad cow disease which cannot be cured with even the modern medical science. The white cross mark can be regarded as a symbol of medicine that is at risk following the emergence of the world wide epidemic including the mad cow disease. On the other hand, some spectators may envision the 666 system which is regarded as the symbol of the Cross of Jesus or the axis of evil from the barcode presuming that the end of the world is near.
As such, the symbolism and imagination can be defined as the two crucial elements of Lee Tae Ryang’s art works. Through this unconscious symbolism and imagination process that appears unintentionally, the artist generates a sense of unity with his ideal image, namely his inner aspect, and thereon tried to reveal his artistic desire to the spectators who are the external self. And through this process, the artist will perceive the intended coincidence or the ambiguity as well as meaninglessness together with the spectators.
The artist often uses materials that can only be found in the dumpster or items that is impossible to recycles even at the junk shop. Rubbish that other people have thrown out will become an excellent material for the artist’s art work. Damaged items including bandages that can be found in the first aid kit at home, wire net, foot duster, mousetraps all become the major elements of the art piece. However, it is noticeable that although such rubbish fills the screen it arouses a natural sense of beauty amongst us. This is the proof of Lee Tae Ryang’s strong capability of inner expression. Not to mention the significance of the content, but in terms of formality, the artist’s depth of sensibility is obvious. It is interesting to witness the useless materials being reborn as a new material filled with vitality only after his touch. This can be translated as the artist being uniquely talented with the capability of revealing his artistic expression.
Nevertheless, although Lee Tae Ryang’s artistic expressions and the capability of sensibility are distinctive and the specific method is different, similarities in expressing his art theory with modern aestheticians and artists such as Lacan exist. Therefore, for this artist, the in depth meaningful conversation coming from his own personal stories are accompanied by a syndrome that is triggered by the pain of self formation and extinction.

관계(關係)로서의 기호적 표징을 통한 조형

장준석 미술평론가, 문학박사

다양한 기호나 오브제 혹은 문자 등을 이용하여 작업을 하는 이태량의 작품세계는 다소 난해함을 지닌, 무의식성이 강한 작품들로 이루어져 있다. 이는 작가 스스로가 기호나 다양한 단어 혹은 여러 가지 물성들의 상호 섞임 작용을 통하여 나타나는 우연성과 애매성 등을 시각적으로 표현하고자 하는 것이며, 철저하게 작가에 의해 지향되는 일종의 현상학적인 만남과도 같은 것이라 하겠다. 여기에는 작가가 자신의 내부 타자와 외부 타자와의 교감을 통해 예술성을 구축해 나가는 과정 중에 환상의 심리를 경험하는 것과도 같은 의미가 담겨 있다. 따라서 의미를 알 수 없는 일련의 숫자나 기호들과 여러 각도에서 드러나는 비정형적이면서도 다양한 형태들의 결합을 통해 자신의 내부와 외부에 존재하는 현상학적 동일화(identification)와 소통을 구축해 나가며, 그 과정에서 미적이면서도 감각적인 환상의 심리를 경험하는 게 이태량의 주된 작업이다.
그런가 하면 그는 과거에 주위의 환경과 건축 및 조각의 혼성물에 네이키드(naked)된 자신의 신체를 결합시키며 이들 사이에서 벌어지는 구조와 형태, 규모 등을 시공간적으로 끊임없이 변화시키는 퍼포먼스적인 예술행위로 관람자들의 다각적인 지각 경험을 유도한 적이 있었다. 이 역시 우연성과 애매성 그리고 난해함이 있는 일종의 예술 행위로서, 그 핵심에는 현상학적인 만남의 키아즘(Le Chiasme)의 성향이 강하다고 생각된다. 다시 말해 상호 섞임 작용에 의한 존재로서의 우연성과 애매성을 드러낸다는 말이다. 이 과정에는 나르시시즘(narcissism)적이며 감흥적인 환상의 심리를 경험하는 특별함이 존재한다. 그러기에 이태량의 예술적 행위들은 환상과 애매성, 우연성이 그 저변에 흐른다. 자신의 신체와 주변의 건축물까지도 포함된 혼성물을 통해 구축된 일종의 변형된 조형성은 보는 사람들로 하여금 여러 각도에서 다양한 해석이 가능하게 하였다.
더 나아가 그가 최근에 전개시키고 있는 기호와 문자 그리고 다양한 오브제를 이용한 조형 역시 제재와 대상이 변화하였을 뿐 동일선상 혹은 연장선상에서 이루어진 조형이라고 생각된다. 다시 말해 그는 현대 사회에서 볼 수 있는 건축물이나 현대 산업 사회의 부산물인 기름통 혹은 크로스마크 같은 강력한 도상 혹은 생활 폐품인술병이나 음료수병 등등 다양한 물성과 이미지를 차용 혹은 변용시키는 과정을 통해 물질과 정신, 외적인 것과 내적인 것과의 내면적 합일에 이르고자 하는 것이다. 여기에는 자신의 신체까지도 포함된다. 따라서 그는 다양한 혼성물뿐만 아니라 개념과 정신까지도 포함된 기호나 표상을 통해 그것의 규모와 형태 혹은 구조를 끊임없이 변화시켜 나가며 관람자의 다각적인 시지각적 경험을 유도하고 있다.
여기에서 주목할 점은 이처럼 우연성 및 애매성과 난해함 등을 지닌 이태량의 작품을 관람자들이 어떻게 받아들이는가 하는 것이다. 작품에 대한 해석의 룰을 무시하고 자의적으로 받아들일 수도 있겠지만 작품에 보편적이고 합목적적인 구조가 존재하고 있음을 간과해서는 안 되기 때문이다. 아서 단토의 말처럼 무엇인가 예술로서 보는 데는 눈으로 알아낼 수 없는 무엇, 가령 예술론의 분위기나 예술에 대한 사전 이해 및 지식 등이 필수적인 것이다. 이태량의 작품 역시 이해를 하려면, 단순한 시지각적인 차원이 아닌 예술에 대한 사전 지식이 필요하다. 그러므로 대체로 작가는 자신이 화면에 던져 놓은 일련의 기호나 오브제 문자 등의 의미가 관람자들에게 완벽하게 전달될 것으로는 기대하지 않는다. 자신의 작품이 모든 사람에게 이해되기를 바라기보다는 오히려 작품을 통하여 이해되지 않는 그 자체를 드러내고자 하였다. 잘 이해되지 않는 자신의 작품으로 관람자들에게 생각할 기회를 제공하고자 하는 것이 그의 창작 의도인 것이다.
이처럼 관람자들에게 생각할 기회를 제공하고자 하였던 이태량의 일련의 작품들은 객관적인 시각이나 사회적 질서 속에 편입되면서 자신이 의도하지 않았던 상징성마저 자연스럽게 확보한다. 이 상징성은 작가의 작품을 보면서 작가가 의도한 대로 어떤 것을 상상함과 동시에 느껴지는 진리의 세계와의 접점에 대한 하나의 관계(關係)라고 할 수 있다. 예를 들어 그의 작품 <합당한 구속>은 작가가 의도한 대로 관람자에게 많은 상상을 불러일으킨다. 그런데 작가가 의도한 상상뿐만 아니라 상징성까지도 내포한다. 이 상상과 상징성은 철저하게 관람자들의 권리이자 몫이 되는 것이다. 화면 안에 등장하는, 두 개의 작은 구멍이 뚫린 십자가와 바코드가 붙은 소의 코뚜레, 그리고 소의 코뚜레 안에 있는 찢겨진 바코드의 흔적 등을 볼 때 어떤 관람자는 모든 동물들의 피부에 삽입되어 그 동물의 정보를 담고 있는 바코드를 상상하며 오늘날 현대 문명의 위력을 실감할 수도 있고, 다른 관람자는 현대 의학으로도 치료를 장담할 수 없는 광우병을 상상할 수도 있다. 하얀색 크로스 마크는 광우병 등 세계적인 전염병의 등장으로 위기에 처한 의학의 상징으로 여겨질 수도 있는 것이다. 그런가하면 또 어떤 관람자들은 십자가의 예수 및 악의 상징이라 할 수 있는 666시스템의 바코드를 상상하며 세상의 종말이 머지않았음을 짐작할 수도 있다.
이처럼 상징성과 상상은 이태량의 작업에서 나타나는 두 가지의 핵심적 요소라 할 수 있다. 작가는 자신도 모르는 사이에 무의식적으로 나타난 상징적·상상적 과정을 통해 자신의 이상적인 이미지, 즉 내부적인 것과 일체감을 형성한 뒤에 외부의 타자인 관람자들에게 자신의 미적 갈구를 드러내고자 하였다. 이런 과정에서 작가는 타자인 관람자들 속에서 자신이 의도했던 우연성이나 애매성 그리고 무의미함 등을 함께 인식하게 된다.
작가는 쓰레기장에나 있을 법한 것들이나 고물상에서도 재활용이 불가능할 것 같은 것들을 소재로 하기도 한다. 남들이 버린 폐품들이 작가의 작품세계에서는 훌륭한 소재가 되는 것이다. 병원이나 가정의 구급함에 있을법한 붕대, 철망 발 털이개, 쥐틀 등 다 손상된 재료들이 그의 작품 전면에 등장하기도 한다. 그런데 폐품들이 화면의 한편을 채우면서 우리들에게 자연스러운 미감을 불러일으키는 것은 주목할 만한 일이다.
이것은 작가 이태량의 내적 표현력이 남다름을 감지하게 해준다. 내용의 중요성은 차치하고 형식적인 측면에서도 감각적인 깊이가 있는 것이다. 쓸모없는 물상들도 그의 손을 거치면 번듯한 생명력을 지닌 물상으로 새롭게 재탄생하게 됨은 흥미로운 일이다. 이는 작가가 곧 남다른 재주와 미적 표현력을 지니고 있음을 의미한다.
이처럼 이태량의 미적 표현력과 감성적인 역량이 남다름에도 불구하고, 비록 구체적인 방법은 다를지라도 라캉 등 현대의 미학자들과 예술가들에 의해 여러 자기 방법에서 유사한 예술론들이 전개되었다. 그러기에 작가에게는 자신만의 이야기를 가슴으로 담아내는 깊은 의미의 대화가 자체적으로 생성, 소멸되는 아픔에 따른 증후군이 함께하고 있다.